感動とは変わること。

以前、学校という場というエントリーの中で、心のクオリティという話に触れました。

人の心（感性など）は多くの体験や経験をへてクオリティをアップしていくという話です。

もとはエリオット・ノイスが口にしていた言葉だそうですが、この単語が気に入っていてよく使っています。


自分の好きな写真家さんで、もう亡くなってしまったのですが星野道夫さんとう方がいました。

星野さんはアラスカでオーロラやそこに住む動物たちを撮り続けた方なのですが、最後は写真を撮っている最中にグリズリーに襲われて亡くなってしまいます。

ぼくが最初に購入した写真集は、秘蔵のフィルムと彼のエッセイを混ぜた追悼のためのメモリアルブックでした。この本は奥さんが監修されたようです。

その中の一説にこんな言葉があって今でもずっと印象に残っています。


星野さんはある友人とこんな会話をしたそうです


「もし、どうしようもなく見ているだけでなきたくなってしまうような夕焼けを見たときにどうやったら自分の愛する人や、家族、親しい人たちにその感動を伝えることがだろう？君ならどうする？」

「そうだな、手元にカメラがあれば写真をとるかも知れないし、絵を描く才能があったなら絵をかくかもしれない。言葉で伝えてもいいかもしれない、でもどれもその時の感動を伝えられないかもしれない」

「僕が思うに、それには自分が変わることだ。その感動を受けて自分が変わっていくことが一番人にその感動を伝えられる」


心のクオリティという単語からはこの話をいつも思い出します。

本当に、心が打ち震えるような感動にはそれだけの力があると思います。
それを糧にできたならその人の人となりににじみ出てきます。

心のクオリティはそういった感動をもとに経験知を重ね、変化を何回も重ねていくことで上がっていくのだと僕は思うのです。

また、感動とは本来、受け身ではなくもっとアクティブなものであってもいいのかなと自分は思います。

心構え。

設える（しつらえる）という言葉が好きです。

国語辞書なんかで設えという単語を検索してみると


しつらえる　しつらへる 【設える】 （動ア下一）[文]ハ下二 しつら・ふ

(1)ある目的のための設備をある場所に設ける。
「広間に―・えられた祭壇」

(2)部屋の内装や設備などを飾りつける。
「王朝風に―・えられた客間」

大辞林 第二版 （三省堂）


辞書なだけに妙に簡潔ですが、ただの準備や用意だけではない気もしますね。


先日、文化祭で写真系のサークルの展示にいきました。
会場全体は結構凝ったつくりだったのですが、そこにある個人個人の写真の展示の仕方が写真を印画紙ごと直に壁に張り付けてあったりして、見せるということを意識されていないように感じました。

額に入れろとまでは言わないですが、せめて台紙に張るなり、パネルにするなりしないとちょっとあんまりにも見る側としては悲しい。

写真が好きな人たちが展示にくると思うのですが、それなのに写真を雑に扱ったり、直に地面にばらまいてあって踏まれて文句言えないような状態だったり。

もちろん、きちんと意識しているひともいたのですが、半数くらいは意識していない。

展示なのだから、見る人のことを意識するってとても重要だとおもうのですが。


そんなときに今回のこのしつらえるという言葉を思い出しました。


よく茶道の世界にその言葉は使われます。

そこで言われるしつらえとはお客さんに心地よく快適な場を提供するための準備であるといいます。

それは時に演出であり、時に掃除であったりします。


例えば、茶道というと多くの人が思い浮かべるでしょう千利休にはこんな有名な逸話があります。

夏の日に、庭の朝顔が満開になったので利休は、豊臣秀吉に

「朝顔が美しく咲いたので、お茶でも飲みにきませんか？」

と提案すると、当時、茶に熱を上げていた秀吉も、満開の朝顔を眺めながら茶を飲むのは趣があると意気揚揚と利休の茶室へと出かけることにした。

ところが、秀吉が利休のところへやってくると話に聞いていた満開の朝顔がすべて切り取られていて拍子ぬけする。

なんだ満開の朝顔はみられないのかと期待していた分がっかりして茶室に入ると、床の間には一輪だけ朝顔が生けられていたそうです。

満開にさいた朝顔を、秀吉の為にすべて切り取り一輪だけ茶室に生ける。


それをみた秀吉はえらく感心したのだとか。




別の話ではこんなものもあります。



秋ごろ、利休は茶会の前に庭先に積もった落ち葉を掃除するように弟子に申しつけた。

掃除が終わりましたと弟子がいうので見に行くと、キレイに掃かれていて地面には一枚も落ち葉がなかった。

すると利休はおもむろに掃きためた落ち葉を数枚ほどまた地面に散らして「これで掃除は終わった」と言ったそうです。

弟子はなぜ、せっかく落ち葉をはいたのにまた散らすのか問うと、

「この季節であるなら、地面に数枚の葉があったほうがより自然だからだ」と答えたそうだ。

荒れたままの庭では失礼だが、人の手が加わった痕跡がまざまざと見えていては秋の風景も興ざめであると、茶会に来る人のをもてなすためのしつらえ（演出）であったそうな。

茶道にとっての掃除とは、転じてお客さんを迎え入れるためのしつらえなのかもしれません。


茶道には露地という茶室に連なる庭があり、その景色からすでにお客さんをもてなすための演出がはじまっているといいます。




自分はデザインを学んでいるわけですが、このしつらえるという感覚はデザインする作業にすごく似ていて、同じようにデザインしたものがどの様に使われるか、どうすれば心地よい体験ができるのかを目指して作業を進めていきます。

それは時に演出であり、時に生活の知恵でもあります。

また、それを全面に押し出さす、当り前のように相手への配慮をするというのがとても大切だと思っています。

押しつけられた茶よりも、さりげなくこちらに配慮してくれて出された茶のほうがやはり心地よいし嬉しい。

ＵＤの時も思ったのですが、さりげなく当たり前のようにユーザーへの配慮がされているというのがやはり理想なんでしょうね。

しつらえるとは、その行為の先にいる人に対する心構えのようなものなのかもしれません。

最近、茶道の歴史について調べ始めたのですが、宗教や政治も絡んでいてなかなか面白いです。
日本という国の歴史をたどる上では文化的にも、歴史的にも大切なところかもしれません。

生活に根付いたデザイン。

日本という国で見た場合、デザイン振興を考えるのならばもっと生活に根付いたデザインが求められるのではないかと思う今日この頃です。



いいデザインに触れなければ、よいデザインであるかどうかすらわからない。


ユーザー自身のデザインへの視点を底上げしなければ、デザイナーの底上げも果たされない。


なら、やはりユーザーが日常的に使うものこそデザインされたものであるべきではなかろうかという思考ですね。

デザイン関係者やデザイナー同士で、

「君のデザインは最高だよ！！」

なんて褒めあっていたってなんにもなりません。
それは趣味でやればいいことな気がします。



無印良品という西友のプライベートブランドがありますが、このブランドの試みは非常に面白く感じています。

デザイン自体はちゃんとしたデザイナーにさせ、発売の際には一切それらの情報を売りにしない。

意図的にアノニマスなデザインを目指し、近所の女子高生や主婦たちがそれらのデザインされたプロダクトを日常の中で使っています。

デザイナーにデザインさせているのに、それを売りにしない。


デザインされていてもそれは突飛なものではなく、消費者の生活の中に根付く気づきである場合が多い。

だからこそ、受け入れられているのかもと思います。

また、そういったことをスーパーのブランドが行っている。

非常に身近でありながら、よいものを扱う。
無印良品とはよ食ったものだと思います。


なぜ、いまこれだけデザインという言葉が氾濫気味の世の中で、無印良品が売れているのか。
それはひょっとしたら消費者の目が肥えてきたということなのかもしれません。

アドヴァンスドなものや、新しいインタラクションデザインを求めることも大切なわけですが、それ以上に、もっと身近なものをデザインすることって大切なんじゃないのかと思います。

プルトップのデザインとか。

調味料の入れ物とか、素材そのものの形状とか。

例えばそういったものとかを試しにデザインしてみると、勉強になるかもと思った今日この頃です。

イノベーションとはなんだろう？

気がつけば、セイコーのＰｏｗｅｒ　design projectが出てました。

このプロジェクト結構好きで見ています。


今年は東京の町の名前がついた時計のようです。


以前、このプロジェクトの話を友人としていたときに思ったことがあります。

それはお客様にとってのデザインとデザイナーにとってのデザインはけっして同じではないということです。


このプロジェクト、あるデザイナーさんは「デザイナーのお遊び、おふざけ」と言います。

厳しい人なら「こんなものデザインじゃない」とまで言うそうですが……。

でも、それらはみんなデザイナー側の目線です。



一般のお客様、消費者からすれば立派にデザインされたものになります。

消費者の求めるデザインとはなんなのか？



今の世間の感じですと「他の人とは違う」というある種ブランド的なポジションにいる気がしてなりません。

造形によって付加価値をもたらすという意味ではいいのかもしれませんが、それだけがデザインではないはずです。




デザイナーズの商品はかっこいいけど使いづらい


と僕の友人たちはよく言います。

それが今の世間の人たちのデザインに対する感想なのかもしれません。




携帯電話のデザインなんかは特にそうですが、有名デザイナーの方が手がけたものほど町中で使う人を多く見かけるというこの矛盾。


携帯電話は確かに若い人のアイデンティティですからそうなるのもわかるのですけれどね。
常に持ち歩いて、友達の眼に触れることの多いツールですから納得です。

そのため、携帯電話の世界にはブランド携帯やデザイナーズ携帯、デコ電などなど他社と自分のものを差別化するものがたくさんあります。

最近ではデコレーションをするためにあえてフラットな携帯が売れているとか。


ブランド物でもデザイナーズのものでも大量生産しているわけですから、だれか同じものを持つ人がほかにいるのは当たり前です。



なので、メーカーには期待せず、自分でつくるデザイナー不要の流れに一部なってきているのだと聞きます。




企業としては儲けを出さなければいけないので、売れるものを作らなければいけないわけですが、だからと言って消費者の要望に答えていくだけではそこに発展性など求められない。


問題解決型のデザインから、消費者へ提案していくヴィジョン提案型のデザインへという流れになってきている気がします。

商品（プロダクト、環境、情報、サービスなどにたいしての）新たな価値や経験の創造、提案。

それが巷で話題のイノベーションというカタカナ語の一つの答えな気がしてなりません。

デザインとはデザイン関係者だけがわかる、賞賛するというものではない気がします。


イノベーションが新たな社会的な価値、経験の創造だというのなら、そのデザインは人々の生活に近くなければ果たされないでしょう。社会は人が集まって成り立っているわけですから。

また、逆を言えばイノベーションをする際に、消費者側に受け入れる土壌がなければイノベーションをしたところで成功はしないとも言えるかもしれません。

タッチパネルが浸透していなかったら、iphoneやＤＳは受け入れられなかったかもしれません。

イノベーションが開発側からのヴィジョンの提案であるならば、それを受け入れるための消費者の認知やインフラや文化、地域特性などの、また地球規模での環境問題すらもその範疇に入るべきでしょう。

イノベーションとカタカナで聞くとなんとも素晴らしく感じますが考えるべきことはたくさんありますね。

第二回 情報デザインフォーラム

観察からリフレーミングについての話をする櫛先生

第二回情報デザインフォーラムが横浜はゲーテ座博物館で行われました。

今回は夏に行われた、情報デザインフォーラムのワークショップの成果発表という形になりましたが、その前に、京都工芸繊維大学の櫛先生から「リフレーミングとエスノグラフィー」という講演がありました。

リフレーミングとは、従来の定義（フレーミング）から一度抜け出して別の次元で再定義することだと、自分は受け取りました。

観察においての視点、軸を別に設けてあげるということにちょっと近いのかもしれません。

いままのでの観察というのは決められた定義の中で見ていたものを、リフレーミングすることで、観察から洞察へと変わっていくという話がありました。

そのためのツール、というか事例の一つとしてラピッドエスノグラフィーという話が出ました。

ラピッドプロトタイプのように、ビデオ撮影したものの再生を繰り返しその中から新たな再定義を起こすというものだと僕は受け取りました（違ったら突っ込み入れてください）

例に出てきたネガティヴ・シンパシーとポジティブ・シンパシーという言葉が印象に残ってます。


次に富士ゼロックス・デザイン部の蓮池さんから「ゼロックス社におけるエスノグラフィーの実践」という講義がありました。

社内の方を巻き込んでのエスノグラフィーの実践という話がおもしろかったです。

高機能コピー機はなぜその多くの機能を使われずにいるのかという話も興味深かったです。

いくつか社内で行っているデザインアプローチを紹介していただいたのですが、自分たちが普段やっていることと似ていて理解しやすい内容でした。

ただ、自分たちと違うのは、与えられた手法ではなく、作りながらのアプローチなので細部に自分たちなりのアレンジが加わっていたり、組織で使うためにより効率的に自社に適合した形にしていっているのかなという印象を持ちました。

既存のアプローチをそのまま使うのではなく、ケースバイケースでアレンジを加えていくのは見習うべきものだと感じました。


次に、とうとう、チームごとの発表に。

我らがＣチームの成果物はこれです（字が読めるように大きめです）↓





ど～ん！！という感じで登場したこの色ものマップ。

このフィールドワークで見つけた気づきは

「山下公園はカップルのデートコースというイメージがあるけれど、実際にはおじさんたちもたくさんいて、親子連れやお昼寝するひとたちもそれぞれエリアごとにすみ分けている」

というものでした。

ワークショップの時の星をモチーフにしたマップから、素直にマッピングしたマップへいき、最終的にこのおじさんマップになりました。


たたき台１。

この段階ではまだ生の写真素材を使っていました。マップも平面的です。
フォローアップ講習会で、公園の緑のほうに意識が言ってしまうと指摘されます。




こちらはその後、素直に住み分けマップを作ってみたもの。
エリアごとの住み分けということでサファリパークのような感じでいってみようということに。

スタンダードなインフォグラフィックスという感じです。

でも、なんだろう？素直に言いたいことはわかるし、何となく言葉が通じなくても雰囲気はわかるのだけど、最初に自分たちが気づきの中に感じた面白さがなくなってしまった気がする。

見れば「うん、住み分けてるね」って言ってもらえるだろうけど、それでいいんだろうか？
自分たちの気づきを伝える手段にＩＧを用いるのならもっと行ってもいいんじゃないか？


それを追い求めることはデザイナーのエゴだろうか？

誰のためのデザインなんだろう？

でも、誰のためとかじゃなくて、今回のワークショップは気づいたことをＩＧに書き起こすって感じだしこれでもいいのかな？

しいて言うのなら、ゲーテ座に来てくれた人達に、自分達がやってきたことを伝えたほうがいいな。

なら、やっぱ最初の地図じゃなくて、おじさんたちが実は山下公園の陰の主役っていうギャップの面白さを伝えたほうがよさそうだな。

そんな葛藤の中、ぎりぎりまで作業して、このマップに行きつきます。


カップルや若者に負けずイキイキとどこか誇らしげに山下公園ライフを満喫するおじさんたち。

そんなコンセプトでチームみんなで作ってみました。

なんか作り上げた感はあります。


おまけ。個人的にお気に入りの自転車おじさん。没になった自分の出した案たち。


たたき台２．ためしに吹き出しにしてみたけど、最終案のほうが勢いがあっていいね。




今回、一番勉強になったのは、情報の扱い方でした。

情報の扱い方、関係性。いろんなものを考慮してのＩＧ。

いままでも意識していたつもりだったけど、こうやって実際にやってみるととまだまだ意識できてなかったんだと痛感させられました。

何より、他大学に仲のい友達ができたのも収穫としては大きいな。

本当に刺激をたくさんもらった気がする。

そんな感想しか今はでてきません。


何はともあれ皆さんお疲れ様でした。

ユニバーサルデザインについて２

道と私有地の段差をなくしても、入口が自動ドアじゃなければ車椅子やベビーカーの人にとってこのお店は遠いものになってしまう。

ユニバーサルデザインについてのまとめ二回目です。


前回はＵＤとはデザインの概念であるという話をしました。

今回は「パブリックとパーソナルについて」です。

今回のトヨタＵＤワークショップのテーマはパーソナルモビリティでしたが、多くの学生たちがＵＤとパーソナルというものがどうつながるかについて頭を悩ませました。


ＵＤというとどうにもパブリックなものに意識が行きがちです。



なぜかというと、公共のものほど多くの人が使うものだから。



と、いうよりも、理想をいうのならばその公共施設を利用するすべての人に使えなければいけないのです。



なぜならば公共施設はみなさんが働いて払っている税金をもとに作られているからです。



言ってしまえば、国民みんなにその権利があるのに、利用状況に差があってはいけない。



その施設を使うにあたっての近づきやすさ（アクセシビリティ）は理想を言えば平等であるべきだと思います。



公共施設に適用されるアクセシビリティとパーソナルなプロダクトに適用されるＵＤとは同議なのかと言われるとそうではないように感じます。


パーソナルＵＤとパブリックＵＤと仮に呼称して、説明します。

僕が思うにパーソナルＵＤとパブリックＵＤの一番の大きな違いは、多くの人に利用可能なデザインにするために、他のユーザーの利用への満足度を下げたり、プロダクト自体の機能に制限がかかる場合がパブリックＵＤにはありえるということだと思います。



前のエントリーで僕はＵＤとは多様なユーザーニーズの平均値をとることではないといいましたが、公共物へのアクセシビリティを考慮する際にはそういった事例が存在する気がします。



その良い例が多機能トイレだったりするのかも知れません。


簡単にまとめるとこうなります。






おそらくＵＤへ持っていくためのアプローチの違いが表れているのだと思います。

パーソナルＵＤの場合、最初に個人にとっての問題解決、使いやすさが重視され、そこを突き詰めることにより周りの人間にとっても使いやすいものになっていきます。



まず最初に対象ユーザーありきです。ＵＤの基本理念は最初からバリアを作らない設計ですが、対象ユーザーを決めたからといってその他のユーザーにとってバリアができるかと言われると必ずしもそうでないと思います。

早い話がやり方次第。



まず最初にユーザーの問題解決から入っていくという点ではバリアフリーと言えるでしょう。



多くの書籍や人がいっているように、バリアフリーとは、ＵＤを実践する際の途中段階であると僕も思っているので、ここではそういった前提で話をしています。



まず最初に誰を救うのか、それを決めてからそのプロダクトのキャパシティの許す範囲で多くの人に使いやすいようにデザインしていきます。



最初に誰のためのデザインなのかを設定するので、だからＨＣＤやペルソナ手法はＵＤに使われています。



次にパブリックＵＤの場合、最初にできるだけ多くの人が使えるように設計し（いわゆる平均値的なデザイン）、その後、どのユーザーのために特化していくかという流れになるのだと思います。（多くのパブリックＵＤは初期の段階でストップしているように感じます）







このようにＵＤと一口にいっても、対象物の立ち位置や人や物との関係によってアプローチの仕方が変わっていくべきなのだと僕は思います。






別に平均値的なデザインを否定するわけでもなんでもないのですが、あまりにも盲目的にそれをする傾向にあるように僕は思います（企業も学生も）。

用途によってどちらに比重を置くかということを考えましょうということなのではないでしょうか。

なんでもかんでもＵＤとはこうじゃなければいけないなんて言う必要はないのだと思います。


まとめ

・パブリックとパーソナルではＵＤのアプローチは変わってくる。

・バリアフリーはＵＤに発展する途中の段階である。ＵＤに発展するためにはユーザーを深堀したデザインが必要です。

ユニバーサルデザインについて １

フィールドワークで撮影した一枚。
せっかくのスロープも花壇にされては意味がない。
形だけのＵＤへの取り組み。

この半年間、ユニバーサルデザイン（以下UD）というものについて僕は学んできました。
その上で感じたこと学んだことをここにまとめておこうかと思います。



「ユニバーサルデザインとは概念である」

まず最初に僕がユニバーサルデザインというものを学ぶにあたってある程度の定義づけを必要としました。

それはUDとは何なのかということです。



世間一般に広まっているUDの定義として"すべての人に使いやすいデザイン"というものがあります。


でも、これってものすごく難しい話です。



僕みたいな学生でさえひとつの商品ですべての人に使いやすいものを作るというのはまず不可能なことであるということがわかります。



ではここで日本人間工学会が出しているユニバーサルデザイン実践ガイドラインを参考にしてみることにします。

そこにはこのように定義づけられていました。


定義

ユニバーサルデザイン：　多様なニーズを持つユーザーに、公平に満足を提供できるように商品（製品、サービス、環境や情報）をデザインすること。


とあります。

ではここで取り上げられている多様なニーズをもつユーザーとは誰なのか？



ユニバーサルデザインというとなぜかバリアフリーと混同してしまいがちですが、ユニバーサルという名前のとおりに、その対象は身体的な障害をもつ人だけにとどまりません。



国籍、言語、年齢、性別、体格差そういった個人的な特性にまで考慮しての多様なニーズを持つユーザーという言葉であると思います。



国籍や言語、文化や価値観すら違う人間ですらUDの対象になっているのです。



それらのユーザーを満足させるものを作るというのですからそれを一つのもので出来るというのはとても不可能です。UDは魔法ではないのですから。




どうしても、日本でのUDブームの際に使われたスローガンはたった一つのプロダクトですべての人にとって使いやすいものを目指すというような誇張した意味合いで広まってしまったように思えてなりません。




市場の中で、右利き用のハサミしかないときに、左利きの人は使いづらい。左利きの人にとってハサミというものは非常にストレスのたまるもので自分とは遠い存在であると感じる。




でも、そこに左利き用の人のハサミを作ってあげたことでハサミというプロダクトが左利きの人にとって使いやすいものになった。




これだってユニバーサルデザインに入ると僕は思います。


そもそも市場に選択肢がない人にとっては、選択肢が増えることすらうれしいそうなのです。


あくまでもできる限り多くの人にというところがポイントな気がします。



その後、いくつかの書籍やいろんな方と話していくうちにユニバーサルデザインとは概念であり、デザインの理想であるということがわかりました。




なので、このデザインはユニバーサルデザインであるということ自体が厳密にいうと間違っていることになります。正確にはユニバーサルデザインの理念に基づき、作ったものです。



このあたりは、以前特別講義で話にでたコンピュータの父であるアラン・ケイが目指した理想のPC　ダイナブック、またはアップルの出したコンセプトマシン　ナレッジナビゲーター、とそれを実現させようと発達してきたPCたちの関係に似ているかも知れません。




その理想を求めるから結果的に一人でも多くの人に使いやすいというものに繋がっていくのだと思います。

一度に理想には追い付かない。段階的にでもいいから理想に近づいていくそういったことが今現在のUDに携わる人の姿勢なのかもしれないと思いました。



UDが日本に入ってきた時に、定義づけがしっかりされずに広まったことがどうやら今のUDの位置づけに大きく影響しているようです。



人間工学のデータに沿って作ればUDなのか？

ロン・メイスのUD7原則に従えばUDなのか？

バリアフリーはUDに入るのか？




たくさん疑問は出てきますが、UDというものに細かい定義づけがないので「UDの理念に沿って作った」と言えばUDになってしまう世の中なのかもしれません。



ＵＤと名のつくものでも本当に調査や検証をしてるのかと疑問に思うものもあります。



そんな中、UDをうたい文句にしているデザインは数ありますが、そういったものがUDだからと言って売れるかといわれると必ずしもそうではないようです。




デザインの審美性もあるのだとは思いますが、それ以上にいま世の中に出てきているＵＤと名のつくものはすべての人に使いやすくいいながら、バリアフリーと混在されているものも多い気がします。




手に障害を持つ人のためにデザインしたハサミ（仮にＵＤハサミとします）が、手になんの不自由もない自分たちにとって使いやすいかと言われると話は別です。


ＵＤハサミを自分たちは使えますが、ただ使えるということと使いやすいということは違うことです。

ＵＤとは障害を持つ人と、持たない人の満足度（使いやすさ）の平均値をとることとはまた違ってきます。



お互いの平均をとることで製品の性能さえ制限し、低下させてしまうくらいであればどちらかに特化したほうがより多くの人に受け入れられるものになるでしょう。



ＵＤを売りにして市場に入っていくのではなく、僕が思うにＵＤとはもっと人々の生活の中にさりげなく点在し、馴染んでいるものであるべきだと思います。


そのいい例が牛乳パックの凹みだと思います。




最近増えてきましたが牛乳パックには注ぎ口の反対側にへこみが付いています。



これにより手で触ってどちらが開け口かわかるのです。
目が不自由でない人でも、間違えて反対側を開けてしまったことがある人も多いはず。

そんな人もこれを知っていればもう間違いませんね　笑



この生活の中に溶け込んでいる感じが大切だと思います。

なんだそんなことかと思うかもしれませんが、そんなことでも、見事にＵＤを実践して見せているのです。



ＵＤはまるで便利でデザインの救世主のように、特別なものであるかのように宣伝されてきましたがもっと生活の中に自然と密着し、当り前にあらゆるデザインの根底にあるべき理念であると思います。

そしてその理念とは大袈裟な宣伝などしなくとも、さりげなく生活の中で確かに多くの人を助けているこのようなデザインに近いのだと思います。




ＵＤにはたくさんのアプローチの仕方がありますが、僕がなるほどと一番納得できたのがこの例でした。

シャンプーのギザギザや、お酒の点字のように身の回りにあるものでも、ちょっとした工夫で多くの人に使いやすくなるものはまだまだある気がしてなりません。


以下、今日のまとめです。

・ユニバーサルデザインとはデザインの理想であり、理念である。

・バリアフリーとユニバーサルデザインは違う。

・ユニバーサルデザインとはもっと人の生活の中に溶け込んでいくべきもの。

トヨタＵＤ ファイナルプレゼンテーション

昨日はトヨタＵＤのファイナルプレゼンテーション。



この半年間ずっと卒業研究すら放置気味にして力をかけてきたプロジェクトだったのでそれも終わりかと思うとなんだか感慨深いものがある。


この日に向けて連日の徹夜。移動中は寝ます。



各チームがプレゼンテーションをして最後に優秀賞の発表となったのだが、どうやらわがチームは惜しくも（アドバイザーや審査員のかたの話を聞く限り）二位だったらしく賞をとることができなかった。

順位や賞がつけられるものの中でそれが取れないことはなんて寂しいことだろうか。
本気でやってきただけに悔しいものがある。

参加することに確かに意義はある。それによって学んだこともたくさんある。

それでも、賞をとれることと、取れないことの差は大きい。

ただひたすら自分の詰めの甘さと、未熟さを痛感させられた日だった。

学科コラボレーション。

8日に、ＵＤワークショップのファイナルプレゼンテーションが控えているので、最近はチームメンバーともにタイトなスケジュールを押しています。

夜遅くまで毎日ミーティングや作業をする日々です。
（理系大学では夜通しの実験などが普通にあるので、遅くまでいられます。工業大学の特権ですね。）

そんな中、今日はワークモックに使うコンパネをのこぎりで地道に切ってきました。

大学の中には工作センターという機材が置いてある場所があるのですが、そこは大型の機械なども依頼をだすと使用できます。

難しい操作がいるものでも、専門の作業員のおじさんがいるので、ある程度の加工であれば可能なのです。

今回は円をコンパネから切り出すべく”トリビアの泉”にて日本刀とも対決したウォータージェット裁断機の依頼を出しに行きました。

はじめての以来だったのですが、うちの施設のものだと１ｍ正方の中におさまるものでないとできないとか。

電動ののこぎりもベニヤを切れる大規模のものが芝園キャンパスにしかないため、研究室にあったコンパクトなのこぎりでせっせと切ることに。



昨日、近所のホームセンターで910×1820のものを三枚も買ってきてしまったので地味に疲れる作業をすることになりました。

結局、明日依頼することに。

学科の演習室を使おうとしたら管理担当の先生がいなかったので使えず、工作センターの建物の陰でやることに。

のこぎりでせこせこと作業をしていると、機会サイエンス学科の先生に声をかけられました。

こんなところで作業していたから文句の一つも言われるのかとおもったら、普通に世間話に。

自分たちがデザイン科の生徒だとわかると、

こんど椅子を売り出そうとおもうんだけど、デザインの人がかかわるとよく売れるというような話をされて若干、夢の学科コラボレーションにつながるような話をされました。

よく、売れるからデザインを使いたいという言葉に少し思うところはありますが、そういった需要があることも事実ですしね。

相手の先生が本気かどうか測りかねたのですが、少なからずそういった話をできるようになってきているというのはいい傾向な気がします。

仮に実現できそうだとしてもこの時期に、これ以上関わるプロジェクトを増やすと卒業研究が危うくなりそうだし悩むところですね。

学生プロポジション

一日に、日本デザイン学会の秋季大会で行われた学生プロポジションに行ってきました。

午前中に用意をして、午後1時３０分からの開始らしいので、それまで近くにある国際こども図書館で食事をとることにしました。
以前、ゼミの中で先生が紹介されていたので、見学も兼ねてです。



中にはいるとなんともいいカレーの香りがして、友達５人でいったのですがみんなカツカレーを頼むことに。鰻と焼き鳥は匂いで売るなんていいますが、カレーの匂いにもかなりの力がありますね。


食事を終えたところで、館内の見学に行きます。


室内での撮影が憚られたので、その看板を。
なかではお父さんが子供に読み聞かせをしていました。
設計者が描く理想のシーンですね。ほんとうにそうやって使ってもらえてるというのはよいデザインのなせる技なんでしょうか。

工作のコーナーにあったポップアップについての本を子供に交じってしばらく読みふけってしまった。
なかなかおもしろい本がそろっていますね。
世界をしる部屋という別室があったのですが、そこはもともと貴賓室で一般の人間は入れなかったのだとか。いまでは、海外の絵本なんかが展示してありました。







次に二階へ。

なんとも味のある吹き抜け。階段の裏側が木目になっている。この大きさの階段ではなかなか見ない光景ですね。



手すりというよりも、瓦といったほうがしっくりくるきがする。なんとも規模が多きい。




昔の名残。以前は外壁だった部分が室内にあるとおもうとなんか変な気分ですね。
建物の規模が大きいのでそういったものだと思えばあまり違和感はないのかもしれないですが。


なんともでっかい要石。改修の際に、床下に埋もれてしまった窓の一部です。こういったものを発見するのも面白い。


時間がせまったので、会場にもどると、今回のテーマでもあるロボットの実演が始まるので見に行きます。



ブロックごとに連結して様々な形になるロボット。なかなか怪しい動きをしていて面白かったです。
会場を沸かせていました。


こちらは千葉大の院生のかたのロボット。
筋電図を応用した、バイオインターフェースをつかってロボットを操作するようです。
このときは腕のひねりなどで、コントロールしていました。こういったインターフェースが進んでいけば体感型ゲームから、障害を持つ人の生活までいろいろと豊かになっていきそうです。


四足歩行ロボット。足がローラーに代わってスケートモードに変化するのだとか。

甲殻機動隊のタチコマに一番近いロボットだといっていました。

将来的にはこういった多脚車両って本当につくられていくんでしょうか。




その後、ビールで懇親会。他大学の生徒さんとも仲良くなれて楽しいひと時でした。
「お互いに卒業製作（研究）をがんばりましょう」と励ましあいました。



その後は一緒に出展していた院生の先輩と、隣の研究室の生徒と、ＫＡＺＵＫＩさんと一緒に、佐藤先生におすすめのＢＡＲに連れて行ってもらいもう一回乾杯。

本当はギネスビールを飲もうとしていたのだけど、そのお店が貸切で断念しました。

次こそはギネスを飲みに行きましょうといって、その日は解散に。


最近、外へ出向くことが多くなって刺激を沢山もらっています。

まだあと三つほど締切が間近にあります。
時間は有限だから、使い方を考えないといけないなと最近思う次第です。

背景と華。

ついにデザイナーズウィークにはいりましたね。皆さんはもうどこかへ出かけられたのでしょうか。

僕は昨年から東京ミッドタウンで開かれる　ＤＥＳIGN TOUCHに参加するようにしています。

昨年の今頃　２１－２１DESIGN SIGHTにて行われた　WATER展に連動して、

佐藤卓さんの「なぜデザインで水なのか」というカンファレンスを受けてすごく勉強になったので今年もこちらにきました。（外苑前もいいけれど、人ごみで帰ってきてからいったい何をみたのかなと思うことも多かったので、それだったら著名なデザイナーに習おうということにしました）


今年は四つほどカンファレンスの予約が取れたのですが、いろいろ急に予定が入ったりブッキングしてしまい友人にほとんど譲ってしまいました。

そのなかで、唯一いけたのが今日のデザインタッチのカンファレンスです。

「世界の名品に通じる無印良品の思想」という3時から7時30分までかかるかなり長いものでしたが、深沢直人さんの話が聞けると思い参加しました。

時間が一時間ほど余ったので今年からこちらでやるデザインタイドを見ました（こちらは後日機会があれば上げます）



まず、最初に会場に行って驚いたのが出演者のところに三名の名前が出ていたこと。


深沢直人

Konstantin Grcic

James Irvine


なんと有名なデザイナーが三人も集結していました。今回のカンファレンスの目玉だけありますね。

James Irvine、Konstantin Grcic、深沢直人さんの順にプレゼンをして、最後に三人でパネルディスカッションをして終了になりました。

James Irvineさんは、ＣＨＡＩＲＳ＆ＣＨＯＰＳＴＩＣＫＳ（椅子と割りばし）という、デザインが環境に適応して進化してきた歴史を紹介し、

Konstantin GrcicさんはＡ BＩＣＹＣＬＥ　ＲＩＤＥ　ＴＯ　ＤＥＳＩＧＮ（自転車に乗ってデザインの世界へ）というテーマでバウハウスから、マルセルプロイヤーがいかにカンティレバーを用いたかという話をしました。最後にKonstantin Grcicさんはこう言いました。

ＭＵＪＩの美しさとはほかの製品と組み合わせたときに美しく映えるところにある、と。


最後は深沢さんが「世界の名品に通じる無印良品の思想」というテーマでプレゼンされました。
今までの二人のプレゼンテーションをうまくまとめあげるように導入していきます。

そんな中で以下のような言葉ありました。



シンプルとはスタイルのことではない。

ミニマリズムとはシンプルということではなく調和しているということである。

調和したデザインは、空気が変わる。何かいいと感じると深沢さんは言います。


それらをふまえた上で今回のエントリーのタイトルである背景と華という話に移っていきます。



もし、今の世の中に華美なデザイン（華）があふれているのなら、ＭＵＪＩはそれらを際立たせるためのの背景に徹しなければいけない。

もし、みんなが前へ前へと出たがるのならばＭＵＪIは退かなければならない。

それらはいうなればわきまえであると言える。

今の世の中にあふれるデザインに人々がつかれたとき、華美なデザインの対極にあるＭＵＪＩに今の人々は帰ってくるのかもしれない。


ＭＵＪＩがいい
ＭＵＪＩでいい


そんな風にお客さんは思っているのかもしれないと。


これはなかなかに考えさせられるお話でした。

よくＭＵＪＩはシンプルだといわれるが、それは時代が華美なデザイン、強烈なデザインを出してくる中であえて対極にいる存在がいるのではないかという考えに基づいているそうだ。

もし、この言葉どおりだとするのなら、時代がシンプルなデザインに収束するのであればきっとＭＵＪIは挑戦的で、革新的なデザインへと移行していくのでしょう。

そんな話の中で深沢さんはいくつかのＭＵJIのデザインを事例にあげて説明していきます。



この空気清浄機は、ドアや部屋についている通風口のブラインド部分をメタファにしている。


ＭＵＪＩが目指すのはあくまでも背景である。でも、その中にもみんながなっとくするなるほどというものがなければいけない。

普段はそのものに対して大して認識していないが、体がしっかり知っている。

慣れ親しんでいるものがデザインのソースになっている。

それがＭＵＪＩらしさである。と深沢さんは言います。




有名な深沢直人さんのＭＵＪＩの壁掛け式ＣＤプレイヤーです。
正直いって今日まで僕はこのプロダクトがあまり理解できませんでした。
よく、これは換気扇に例えられ、一見すればただの面白商品になりかねません。

でも、パネルディスカッションの際にJames Irvineさんがこういったのです。

「このＣＤプレイヤーは一曲聞き終わらなくても好きなときにつけ、消すことができる」


その言葉を聞いたときに僕は感じました。

このプレイヤーは換気扇なんかではなくきっと、部屋の電気にちかいものなのだと。

そう考えることで、なんか納得してしまいます。

部屋にはいって、部屋の電気をつけるような感覚で、心理的にもシームレスに生活の中に音楽を組み込む。

それこそがこのデザインの魅力なのかもしれないと。

多分、僕がこの壁掛けＣＤプレイヤーのある部屋に入ったら引っ張ってしまう。

明確に使用シーンが描けることで一気にプロダクトが魅力的に思えてしまうから不思議ですね。


最後に深沢直人さんはこういってプレゼンテーションをしめました。

世界の名品はＭＵＪＩに通じる。


背景と華という話はとても面白く、プロダクトメインで考えるのではなく、ほかとの調和を考えるという思想には感じるものがありました。

すごく面白い刺激をもらった気がします。

普段、なかなか聞けないＭＵＪIの中の話も聞けて非常に興味深い一日でした。